若艺术家的创作必然要与个体经验产生关联，那么张爱力绝对是一个反向案例。

《艺术栗子》与张爱力通话时，她正一个人在云南山区自驾。这次原计划从武汉到广西的旅程，因为酷暑直接转道去了云南，通话之时已经走了有月余。这样说走就走的旅程是张爱力生活中的常态，也与她画面中那些冰冷的金属材料形成巧妙的割裂。

对于一位出生于1990年，2017年以优秀毕业生的成绩，从湖北美术学院油画系研究生毕业的艺术家来说，张爱力属于大器晚成型。虽然丈夫云永业已经是颇受关注的艺术家，但她并未受到任何影响，不疾不徐地完成数个个展的创作。

张爱力个人项目“金属的呼吸”

2026.4.22-6.30 深解艺趣

深解艺趣创始人陈艳第一次看到张爱力作品，就想为她做个展。那时，她们甚至从未谋面。“她不像概念艺术家那样预先设定固态，而是依赖洞察对‘光影流变、空气密度’的敏感捕捉。这意味着她的视觉感受是不断生长的。重复描绘管状结构容易陷入技术惯性，但她将倦怠转化为对‘内在节奏’的检视。”

由此，便诞生了深解艺趣“生长”项目第4期——张爱力个人项目“金属的呼吸”。冷灰色的钢片、焦黄色的金属管、脱离现实的粉色软管，这些看起来有些冰冷的绘画对象，与这个被阳光铺满的展厅错位却和谐。

洁白的展厅内同时陈列着中古家具与典雅的花器，这样颇具生活气息的场景让作品中直观且坚硬的金属材料变得“柔软”；落地玻璃窗外，春日暖阳洒在庭院的枫树上，点点光斑与作品中的高光处交相辉映。

张爱力个人项目“金属的呼吸”

2026.4.22-6.30 深解艺趣

《艺术栗子》与艺术家交流后，忽然理解了作品在展厅内错位却和谐的原因。通话之时，张爱力一个人自驾了一个多月，电话那一端柔和但态度坚定的声音，这是艺术家与画面气质的唯一链接。

将艺术家的生活、性格与创作产生关联，这已经成为分析作品精神内核的一种方法。在张爱力这里，这两条原本应该相交的路径是割裂的。割裂到找不到一丝弥合点，在同一时空有着各自的精彩。

张爱力一个人的旅途中的风景

这趟不知道何时结束的自驾之旅，原计划从武汉出发到广西，因酷暑改道云南。与创作毫无关系的旅程，经常出现在张爱力的生活中。她会带上画笔，随手画一些小品，更多时候她是一个安静的观察者：把车停在山谷边，看路过的车辆纷纷停下拍照，好奇人们被什么吸引；看放羊的人，好奇他怎么能够一个人放百余只羊……

这样的场景就像张爱力喜爱阅读的小说一样，充斥着鲜活且真实的人类样本多样性。看似与创作无关的生活碎片与旅行中感受到的自然之力，悄然补足了久困于工作室后缺乏的对世界的感知力。

张爱力工作室

张爱力《密林NO.11》

布面油画 120x175cm 2025

真实的旅程与并不真实的画面，共同出现在一个人的世界里，形成奇妙的割裂。在工作室里，她是那个可以一整天沉浸在管状结构里的艺术家，克制而严谨，每一笔都服务于空间与体积的构建；在旅程中，她是对世界充满好奇的观察家，感性的经验与阅历的累积在肆意生长。

回到艺术家个体中，这种割裂不是矛盾的对立，而是张爱力艺术生命的两面——旅程给她能量与感知，创作则是她安放意识的容器。

20世纪90年代，随父母“北漂”的张爱力，童年被波纹管厂的金属零部件包围，那些冰冷的管材、坚硬的边角成为刻在记忆里的质感。及至真正进入艺术家状态的创作时，这些被工业文明遗弃的“边角料”，在她的画布上获得新生。

张爱力《现代诗 202005》

木板油画 70x55cm 2020

张爱力对建筑材料的描绘，从来不是简单的静物复刻。在具象层面，她将材料的肌理与质感推向极致：金属管表面的反光、锈迹的斑驳，软管的褶皱与弹性，甚至光线落在管材上的细微变化，都被她精准捕捉。通过对管状元素的堆叠、缠绕、交错与切割，张爱力消解了这些建筑材料原本的实用属性，将其转化为纯粹的视觉形式。

这种重构让冰冷的管材不再是工业符号，而是成为承载形式与节奏的载体。如同德勒兹“块茎”理论所描述的那样，去中心化、无始无终，每一个元素都能与其他元素产生连接，构建出多元而复杂的视觉空间。

“外在大面积趋向抽象的形式感，是我对事物主观归纳后的产物；大的抽象形式下，藏着些许能唤起观者对现实对象感受的绘画细节。”张爱力对《艺术栗子》说。她延续了20世纪以来具象绘画的当代转向，不再追求对现实的模仿，而是以具象为媒介，进行形式、观念、语言的实验。

张爱力个人项目“金属的呼吸”

2026.4.22-6.30 深解艺趣

张爱力《绿音》

布面油画 200×300cm 2021

在2017年至今的创作中，可以清晰地看到从“物”到“人”的转变，以及愈发清晰的对姿态和情绪、结构和色彩的精准指向。在这一过程中，勋伯格的十二音体系音乐对她产生关键影响，这一著名的现代音乐体系也影响了康定斯基。把12个半音平等地、无主次地按照一定规律构建成无调性音乐的逻辑，转化为管状元素的排列组合，让画面产生音乐般的韵律感，也直接影响了画面的构成。

另一个重大的变化是色彩。经历一场疾病后，张爱力莫名在红色的血管里看到了粉色。展厅内的三个不同系列的作品，可以清晰地看到这种变化。从现实中金属的冷灰与焦黄，转变为超越现实的粉色。

柔软的粉色与坚硬的金属、褶皱的软管形成强烈反差，从贴合材料本身的自然色调，到如今纯粹而浓烈的主观色彩，她用色彩打破了生活与创作的割裂，也完成了自我表达的深化。

张爱力个人项目“金属的呼吸”

2026.4.22-6.30 深解艺趣

张爱力《密林NO.12》

布面油画 120x100cm 2025

创作的精神内核，也在不断的实践中逐渐凸显——以管状元素为载体，叩问存在的本质。在海德格尔“此在”与“世界”的理念中，那些缠绕、挤压的管材，既是物的存在状态，也是现代人被社会结构裹挟的生存隐喻；萨特“自在与自为”的思想，则体现在她对材料的重构中，印证了“人通过创造赋予世界意义”的核心。

张爱力摒弃了对物象的叙事与情感附加，以纯粹的视觉观察，还原建筑材料的质感、光影与空间，让观者不被文化与意义遮蔽。她将管状元素重复、交错的结构重置，消解了元素的主次，让每个管状元素在结构中获得平等地位，这正是结构主义“系统先于元素”思想的视觉实践。

张爱力《密林NO.1》

布面油画 160x200cm 2025

张爱力《密林NO.1》（局部）

这种创作方式，既是对胡塞尔“悬置判断、直观本质”的视觉表达，也是她对生活最本真的回应。张爱力曾说，大自然的丰富性高于一切艺术，而她的创作，就是对这种本真的还原与升华。

“最开始做职业艺术家时，还会考虑流派等问题，现在觉得安置自身比书写历史更重要。”生活与创作的割裂，于她而言不是阻碍，而是一种滋养。生活给她感知世界的温度，创作给她安放自我的仪式；建筑材料是她连接生活与创作的桥梁，艺术语言是她表达自我的工具。

张爱力的艺术世界，没有华丽的叙事，没有浓烈的情绪，却在冷静的笔触与纯粹的形式中，藏着最本真的生命力量。她在生活与创作的割裂与统一中，完成了一场关于自我的艺术修行。

文字｜顾博

图片｜深解艺趣、张爱力

艺术栗子